DiCinema

DiCinema: la nuova Hollywood

2012-02-14T05:45:00.000-08:00

Un viaggio nello star system mondiale, per conoscere gli attori e i registi che hanno rinnovato l’ultima generazione di miti in celluloide

Uno dei Sex Symbol più acclamati dell’ultima generazione, nel camaleontico fascino del degno erede di Robert Redford, Brad Pitt.

Tanti aspiranti giovani attori hanno sfidato la sorte, cimentandosi all’ombra del “Gigante”, troppo breve per poter elargire meriti più eccelsi e troppo grande per poter essere riciclato nel limbo delle stelle cadenti di Hollywood. Sicuramente, di strada ne ha fatta, quel “ragazzotto” dell’Oklahoma dotato non solo di fascino (indispensabile, per carità), ancora troppo acerbo per poter essere accostato al suo più accreditato pigmalione, quel mito consacrato da “Rob” Redforfd, che lo ha voluto, diretto e impalmato nella maturazione d’attore, necessaria per poter meritarsi lo scettro di autentico, insostituibile, bellissimo astro della eterna Mecca del cinema mondiale. Classe ’63, mancato giornalista (per fortuna!), quello sprovveduto “uomo-sandwiches” che si aggirava per le strade in cerca di soldi e aspirazioni, prima di diventare l’autostoppista Robin Hood del Thelma e Louise di Ridley Scott, ha fatto la sua robusta gavetta nelle accreditate partecipazioni televisive, passando tra i set di Genitori in Blue Jeans, Dallas e 21 Jump Street (un episodio, al fianco dell’amico e confermato protagonista della serie, Johnny Depp), per arrivare al cinema da vero “new-talent”. Tutto ha inizio con Senza via di scampo, battesimo nel genere spionistico che lo rivedrà protagonista nei successivi Seven di David Fincher, L’Ombra del Diavolo di A.J.Pakula (ottimo Harrison Ford come spalla) e Spy Game di Tony Scott, riuscitissima incursione al fianco di Redford, che dieci anni prima lo dirige nel romanzato In mezzo scorre il Fiume, nei panni del reporter pescatore Paul McLean (Oscar alla fotografia per il francese Philippe Rousselot). Divagazioni nel fantasy adolescenziale, prima con Johnny Suede (scanzonato rockabilly diretto da Tom DiCillo) e nel clone di Roger Rabbit, Fuga dal mondo dei Sogni, investigatore dandy alle prese con una seducente Kim Basinger “disegnata” da Gabriel Byrne. Sballato e maledetto, al fianco della partner sentimentale del periodo, Juliette Lewis, nel Kalifornia di Dominic Sena, semi-riuscito road movie di facile presa, per riprenderne lo stile nel successivo Una Vita al massimo, ennesima opera di Tony Scott, con una sceneggiatura firmata da Quentin Tarantino. Neil Jordan lo “immortala” seducente vampiro nell’ Intervista col Vampiro (appunto), al fianco di un demoniaco iniziatore Tom Cruise, per passare all’epico posticcio di Edward Zwick, Vento di Passioni, affiancato da un patriarcale Anthony Hopkins e dall’ennesima partner sentimentale di turno Julia Ormond. Terry Gilliam lo vuole “pazzo e rasato” al fianco di Bruce Willis (come lo stesso Nicholson potrebbe desiderare), ne L’esercito delle 12 Scimmie, mentre Jean Jaques Annaud lo converte al buddismo (dopo un passato in Scientology) nel monumentale Sette anni in Tibet. E’ il turno di Martin Brest, miracolato dal Profumo di Donna, per l’ennesimo remake di Vi presento Joe Black, bellissima rivisitazione al classico patinato, supportato da Hopkins e l’ennesima partner Claire Forlani. Gore Verbinski lo impasta nel suo tipico stile onirico-demenziale, con The Mexican (Julia Roberts quasi non accreditata), per “affondare” nei vari Oceans Eleven-Twelve-Thirteen, diretti in pacco da Steven Soderbergh, con ciliegina George Clooney. Capolavoro, nella rivisitazione omerica ricostruita da Wolfgang Petersen, Troy, nei pani di Achille (ottimo Eric Bana nel troiano Ettore), per affiancarsi alla partner e consolidata moglie Angelina Jolie, nella “movimentata” coppia di Mr. & Mrs. Smith. Finalmente la prima consacrazione agli oneri di miglior attore, nella Coppa Volpi vinta con L’Assassinio di Jesse James per mano del codardo Robert Ford, per sfiorare l’Oscar con Il curioso caso di Benjamin Button di David Fincher e il successivo Bastardi senza Gloria, sgangherata parodia demenzial-nazzista voluta da Quentin Tarantino. Baciato dal “furbesco” tocco di Terrence Malick sul “viale del tramonto” nel The Tree of Life, lo ritroviamo, oggi, alle prese con una squadra di baseball da rilanciare ne L’Arte di Vincere di Bennett Miller, senza tralasciare le felici incursioni al doppiaggio di Megamind e Happy Feet 2.

Di seguito, tutti i film interpretati dall’attore:

Senza via di scampo (No Way Out), regia di Roger Donaldson (1987) - Non accreditato
La fine del gioco (No Man's Land), regia di Peter Werner (1987) - Non accreditato
Al di là di tutti i limiti (Less Than Zero), regia di Marek Kanievska (1987) - Non accreditato
Innamorati pazzi (Happy Together), regia di Mel Damski (1989)
Giovani omicidi (Cutting Class), regia di Rospo Pallenberg (1989)
Vite dannate, regia di Robert Markowitz (1990)
Una pista per due (Across the Tracks), regia di Sandy Tung (1991)
Thelma & Louise, regia di Ridley Scott (1991)
Johnny Suede, regia di Tom DiCillo (1991)
Contact, regia di Jonathan Darby (1992) - Cortometraggio
Fuga dal mondo dei sogni (Cool World), regia di Ralph Bakshi (1992)
In mezzo scorre il fiume (A River Runs Through It), regia di Robert Redford (1992)
Kalifornia, regia di Dominic Sena (1993)
Una vita al massimo (True Romance), regia di Tony Scott (1993)
A letto con l'amico (The Favor), regia di Donald Petrie (1994)
Intervista col vampiro (Interview with the Vampire), regia di Neil Jordan (1994)
Vento di passioni (Legends of the Fall), regia di Edward Zwick (1994)
Seven (Se7en), regia di David Fincher (1995)
L'esercito delle 12 scimmie (12 Monkeys), regia di Terry Gilliam (1995)
Sleepers, regia di Barry Levinson (1996)
L'ombra del diavolo (The Devil's Own), regia di Alan J. Pakula (1997)
Sette anni in Tibet (Seven Years in Tibet), regia di Jean-Jacques Annaud (1997)
The Dark Side of the Sun, regia di Bozidar Nikolić (1997)
Vi presento Joe Black (Meet Joe Black), regia di Martin Brest (1998)
Fight Club, regia di David Fincher (1999)
Snatch - Lo strappo (Snatch), regia di Guy Ritchie (2000)
The Mexican - Amore senza sicura (The Mexican), regia di Gore Verbinski (2001)
Spy Game, regia di Tony Scott (2001)
Ocean's Eleven - Fate il vostro gioco (Ocean's Eleven), regia di Steven Soderbergh (2001)
Confessioni di una mente pericolosa (Confessions of a Dangerous Mind), regia di George Clooney (2002) - Cameo
Full Frontal, regia di Steven Soderbergh (2002) - Cameo
Troy, regia di Wolfgang Petersen (2004)
Ocean's Twelve, regia di Steven Soderbergh (2004)
Mr. & Mrs. Smith, regia di Doug Liman (2005)
Babel, regia di Alejandro González Iñárritu (2006)
Ocean's Thirteen, regia di Steven Soderbergh (2007)
L'assassinio di Jesse James per mano del codardo Robert Ford (The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford), regia di Andrew Dominik (2007)
Burn After Reading - A prova di spia (Burn After Reading), regia di Joel ed Ethan Coen (2008)
Il curioso caso di Benjamin Button (The Curious Case of Benjamin Button), regia di David Fincher (2008)
Bastardi senza gloria (Inglourious Bastards), regia di Quentin Tarantino (2009)
The Tree of Life, regia di Terrence Malick (2011)
L'arte di vincere (Moneyball), regia di Bennett Miller (2011)

STRAORDINARIO SCORSESE con HUGO CABRET

2012-02-06T06:26:00.000-08:00

Un ritorno alla regia del “maestro” Scorsese, ridisegnando il romanzo di Brian Selznick, nel tributo più spettacolare all’inventore del cinema George Méliès

Effetti speciali e culto romanzato, per il biopic più celebrativo del regista, tra magia, sogni e storia del cinema.

Nel 1861, nasceva a Parigi un uomo che avrebbe segnato la storia di quell’invenzione “brevettata” dai fratelli Lumière, per trasformare il neonato cinema in quel prodigio di illusione e realtà, conditi con sapiente maestria “di parte”. Il suo nome era George Mèliés, illusionista di mestiere e pioniere di quelle tecniche cinematografiche che hanno segnato l’immaginario di ogni cineasta che si è cimentato dietro la macchina da presa, sino ai giorni nostri. Dal memorabile Viaggio nella Luna (Le Voyage dans la Lune) del 1902, si sono susseguiti innumerevoli capolavori di montaggio (Viaggio attraverso l’impossibile e lo stesso antecedente L'homme à la tête en cahoutchouc) che hanno devoluto l’illusione effimera di quegli effetti speciali all’avanguardia (fotogrammi colorati minuziosamente a mano e dissolvenze), che hanno portato alla bancarotta la stessa Star Film di Mèliér. Oggi, quel lascito di 1500 pellicole lo ha “meticolosamente” rieditato un altro grande del Cinema, rappresentante della “Nuova Hollywood”, adattando il romanzo scritto nel 2007 da Brian Selznick (La straordinaria invenzione di Hugo Cabret) per farne un autentico capolavoro di cinema degno di tanta veemenza di stile. Il regista non poteva che essere Martin Scorsese, Classe ’42, dalle salde radici italiane devolute nel suo film-documentario Italoamericani, omaggio ai genitori e a tutti gli immigranti che hanno caratterizzato la Little Italy newyorchese. Cresciuto sotto una rigida educazione cattolica e segnato da un’asma che lo ha portato a concentrare ogni sua attitudine all’amore per il cinema (quei primi storyboard disegnati, sostituendo la cinepresa con la meticolosa riproduzione di scenari e personaggi), Hugo Cabret è il più imponente viaggio nel fantastico che Scorsese abbia potuto realizzare, riflettendo la propria adolescenza nella caratterizzazione di quei personaggi narrati da Selznick, nell’omonima storia scritta in due parti, impreziosita da centocinquantotto disegni e una pragmatica evocazione “Collodiana” allacciata allo stesso Georges Mèliés, nell’automa ritrovato dal padre orologiaio (un rinato Jude Law passato dal Lucignolo di A.I. a neo-Geppetto di Scorsese), portatore di un segreto rinchiuso nello stesso patrigno della ragazza, Isabelle (Chloè Moretz), amica del giovane Hugo (Asa Butterfield), orfano che vive di espedienti nella capitale parigina degli anni trenta. La rincorsa contro il tempo nel riunire l’automa al suo omonimo proprietario (Ben Kingsley, nella straordinaria somiglianza con l’autentico Mèliés), diventano un nostalgico monito a riappropriarsi di quel mestiere artigianale che non può essere soppiantato dalle prodezze delle nuove ere tecnologiche (benvenga il 3D!), quando ogni successione è sempre il risultato dell’evoluzione precedente, come la stessa alchimia riposta tra i due “riconosciuti” padri fondatori del cinema, i fratelli Lumière e Mèlière, nella stessa evocazione citata da Jean-Luc Godard, definendo i primi, portatori dello “Straordinario nell’Ordinario” e il secondo, dell’ “Ordinario nello Straordinario”. Rimane, in assoluto, un tributo al cinema fantastico in ogni tempo, dall’elaborazioni al computer del pionieristico Tron di Lisberger allacciato allo stesso Viaggio nella Luna, in quella panoramica di colore e luci sulla Torre Eiffel, epicentro di ogni animo artistico degno solo di essere ammirato. Da ogni critica di giudizio. Per sempre.

Paolo Vannucci

DiCaprio torna a capo dell'F.B.I.

2012-01-11T05:11:00.000-08:00

Cleant Eastwood dirige Leonardo DiCaprio, in una pragmatica biografia della vita di J. Edgar Hoover, storico direttore dell’F.B.I... ed è profumo di Oscar?

Due talenti consolidati del cinema americano, per una ennesima pagina di storia statunitense, riletta con volere intimista e lucida cronaca contemporanea.

Per far “crescere” Leo DiCaprio ci voleva la proverbiale durezza di un regista come Eastwood, abile infarinatore di soggetti cinematografici che attingono da una realtà capace di scuotere la morale, oltre ogni colore di bandiera, educando un pubblico che non sempre riesce a conciliare i tempi di una narrazione devoluta agli attori, con le incursioni volute da un regista che è cresciuto facendo entrambi i mestieri. I tempi degli spaghetti-western sembrano ormai un lontano ricordo, diventando sempre più un vanto da cineamatore, nell’ostentare ancora quei titoli nati da un maestro come Sergio Leone. Oggi, la maschera del granitico pistolero ha allungato le pretese, senza tralasciare gli oneri di quel passato, devoluti nel suo personale tributo a un genere, nel film diretto nel ’92, Gli Spietati, per arricchire il proprio curriculum con una invidiabile plètora di film che hanno conciliato buongusto e stile, passando dall’azzardato Million Dollar Baby, al poetico I Ponti di Madison County, distaccati lasciti di un genere che facilmente si possono aggraziare i consensi riposti nel suo ultimo film, J. Edgar, senza trascurare i più attinenti titoli legati alla serie poliziesca dell’ispettore Harry Callaghan. Una ennesima pagina di grande storia americana, dopo il trionfo visivo di Flags of Our Fathers, che sicuramente subisce fortemente le inflessioni narrative regalate da Michael Mann, nel suo Nemico Pubblico, complici la riuscita coppia Bale-Depp. Ma il cinismo “sarcastico” di Eastwood riesce a prevalere nella sua inedita biografia sul fondatore dell’F.B.I (Federal Bureau of Investigation), preoccupandosi di sondare l’emotività e le problematiche di un personaggio che ha dedicato la propria vita al Governo di un Paese, passando dalla “porta di servizio”. Un DiCaprio appesantito da un trucco che sembra voler tracciare un “sentito” limite tra la stessa vera identità di Hoover, nominato direttore nel 1924, fino alla sua morte, in quel prologo appesantito dagli anni, in cui ripercorre la propria vita, narrandone gli accadimenti. Tutto sembra incentrato sulla vulnerabilità di un uomo segnato dalle ambizioni di una madre amorevole e protettiva (Judi Dench), che forma il carattere di un ragazzo che impone la propria personalità, dettandone le regole e schivandone le ripercussioni sulla vita privata e sentimentale (il legame dell’amicizia velato da quel sapore assoluto dell’omosessualità, rappresentato dal collega Clyde Tolson). Principi morali e valori estetici che vuole fondere con il protocollo interno di un Organo di Giustizia, più volte attaccato per i sistemi ritenuti poco ortodossi, adottati dallo stesso Hoover. Accuse che sottolineano, inesorabilmente, una sorta di superficialità dimostrata da Edgar, in quella quasi assenza, sentita come una forma di gelosia, nelle azioni determinanti portate a termine dagli agenti che hanno lavorato sotto le sue direttive. Un DiCaprio che sembra far prevalere l’attore sul personaggio, come vuole lo stesso Eastwood, citando Brian De Palma nel suo Gli intoccabili, come forma di istruzione in quelle tecniche pionieristiche, impartite con ingenua meticolosità. La fotografia di Tom Stern e la sceneggiatura di Dustin Lance Black incorniciano un film che sembra destinato a forti ambizioni... ma su DiCaprio incombono pesanti perplessità di “Stato”. Cleant Eastwood ha fatto di nuovo centro, comunque vada...

Paolo Vannucci

DiCinema: la nuova Hollywood

2012-01-08T23:57:00.000-08:00

Un viaggio nello star system mondiale, per conoscere gli attori e i registi che hanno rinnovato l’ultima generazione di miti in celluloide

Volto scolpito nella recitazione, per un attore che ha segnato il successo passando dal movie gangster di Leone alla commedia, nelle qualità di James Woods.

Ci sono volti che nascono per essere destinati alla simbiosi identificativa del carattere svestito con naturalezza e pronti per essere riciclati a nuova vita, mantenendo viva quella immedesimazione che è la dote più ambita da ogni attore... e James Woods, indubbiamente, è uno dei grandi attori dell’ultima generazione hollywoodiana, consacrato non solo dai ruoli sostenuti, ma supportato da un Q.I. (168 e il prestigio di appartenere al Mensa) che lo ha agievolato nel proprio cammino di artista. Identificato nella sua interpretazione più autorevole nelle mani di Sergio Leone in C’era una volta in America, in coppia con Robert DeNiro e una giovanissima Jennifer Connelly al suo battesimo cinematografico (sostituita da Elizabeth McGovern nella versione adulta n.d.r.), ma supportato da una gavetta televisiva e cinematografica iniziata nel ’69 con La sua Calda Estate, dopo aver lasciato gli studi universitari di Scienze politiche e proseguita con Sulle Strade della California e la più identificativa in Olocausto. I successi commerciali cominciano ad arrivare con Videodrome, diretto da David Cronenberg, psicodramma ad effetti speciali (Rick Baker) sull’ossessiva visione degli stereotipi legati al sesso-carne-morte riflessi nei media. Cinema d’impegno nelle mani di Oliver Stone nel film-denuncia Salvador, che gli ha valso la sua prima nomination all’Oscar, e il successivo Cocaina di Harold Backer, affiancato da Sean Young nel travaglio autodistruttivo del personaggio, causato dalla tossicodipendenza. Seguono Verdetto finale, nei disimpegni commerciali di un’aula di tribunale e Insieme per forza, felice commedia diretta da John Badham, in coppia con Michael J. Fox e Annabella Sciorra. Slalom senza difficoltà tra il doppiaggio ne I Simpson, e i film-cassetta Lo specialista (Sharon Stone e “Sly” Stallone da cornice) e il remake del film di Peckinpah, Getaway, con Alec Baldwin nel sostituire McQueen e Kim Basinger nel ruolo della complice. Meritevole di nota rimane Legami di famiglia, sulle delicate note del tema dell’affidamento, sulle provate spalle di una collaudata Glenn Close e la giovane coppia Masterson-Dillon. Seconda nomination all’Oscar per L’Agguato, diretto da Rob Reiner ed ennesima denuncia sulla discriminazione razziale da parte dei neri d’America, sulla scia di Mississipi Burning e sceneggiato da Lewis Colick, tratto da reali accadimenti. Degni di nota sono Il giardino delle Vergini suicide, diretto nel ‘99 da Sofia Coppola, l’incursione nel comico-demenziale Scary Movie 2 e le ennesime incursioni da doppiatore nei Stuart Little 2, Hercules e Surf’s up- I Re delle Onde. A concludere, la citazione di un meritevole Shark-Giustizia a tutti i costi, sulla scia delle neonate serie televisive americane che mirano a rispolverare i miti cinematografici di una generazione ancora meritevole di consensi.

Di seguito, tutti i film dell’attore:

La sua calda estate (Out of It, 1969)

I visitatori (The Visitors) (1972)

La morte arriva con la valigia bianca (Hickey & Boggs, 1972)

Come eravamo (The Way We Were, 1973)

40.000 dollari per non morire (The Gambler, 1974)

Bersaglio di notte (Night Moves, 1975)

A tutte le auto della polizia (The Rookies) (1975) - Serie Tv

Sulle strade della California (Police Story) (1975-1976) - Serie Tv

Uno sceriffo a New York (McCloud) (1976) - Serie Tv

La zingara di Alex (Alex & the Gypsy, 1976)

I ragazzi del coro (The Choirboys, 1977)

Olocausto (film TV) (Holocaust, 1977)

Uno scomodo testimone (Eyewitness, 1981)

Videodrome (1983)

C'era una volta in America (Once Upon a Time in America, 1984)

L'occhio del Gatto (Cat's Eye, 1985)

Salvador (Salvador, 1986)

Best Seller (Best Seller, 1987)

Cocaina (The boost, 1988)

Verdetto Finale (True Believer, 1989)

Insieme per forza (The hard way, 1991)

Charlot (1992)

I Simpson (serie TV, 1994)

Lo specialista (The Specialist, 1994)

Getaway (The Getaway, 1994)

Casinò (1995)

Gli intrighi del potere - Nixon (1995)

L'agguato (Ghosts from the Past)', 1996)

Contact (1997)

Hercules (1997) (voce di Hades)

Un altro giorno in paradiso (Another Day in Paradise) (1998)

Vampires (John Carpenter's Vampires, 1998)

Il giardino delle vergini suicide (The Virgin Suicides, 1999)

Fino a prova contraria (1999)

La figlia del generale (The General's Daughter, 1999)

Ogni maledetta domenica (Any given sunday, 2000)

I ragazzi della mia vita (2001)

Ricreazione - La scuola è finita (Recess: School's Out, 2001) (voce)

Scary Movie 2 (2001)

Final Fantasy: The Spirits Within (2001) (voce)

Stuart Little 2 (2002) (voce)

John Q (2002)

Be Cool (2005)

Shark - Giustizia a tutti i costi (serie TV, 2006 - 2008)

End Game (2006)

Surf's up - I re delle onde (Surf's up, 2007) (voce)

An American Carol (2008)

Cane di paglia (2010)

Un Natale da Favola, con Il Principe Schiaccianoci e Il Gatto con gli Stivali, tra i regali sotto l’albero!

2011-12-12T06:39:00.000-08:00

I fratelli Grimm contro Il celebre balletto di Tchaikovsky, a contendersi i favori delle strenne natalizie firmate 3D

Woody Allen apripista della stagione cinematografica “sotto l’albero”, tra gli arrivismi di Clooney e il rocambolesco sequel di Holmes, infarciti nel cinepanettone italiano conteso da Pieraccioni.

Se con il prodigio di Spielberg TINTIN, potevamo credere di perdere la magia del grande cinema di Natale, in quella uscita posticipata ad Ottobre, oggi ci troviamo “sorprendentemente travolti” da una riguardevole elite di personaggi, attinti dalla tradizione popolare regalata alla favola, tra anteprime slittate per l’occasione, nel botteghino delle strenne natalizie d’autore. Ad introdurci nel clima festivo velato di romantica ironia, ci ha pensato il grande “Woody” con il suo Midnight in Paris, presentato in anteprima al Festival Di Cannes, la scorsa primavera, e magicamente distribuito i primi di Dicembre, con un sorprendente Owen Wilson come alter-ego del regista, nei panni di uno sceneggiatore che si vuole dedicare alla stesura del suo primo romanzo, nella complicità dell’accomodante capitale parigina, in un paradosso temporale degno del riuscito La Rosa Purpurea del Cairo, girato nell’85, con Jeff Daniels e Mia Farrow ad allietare le fantasiose divagazioni tra realtà e finzione del regista. Ma tutte le attenzioni sono rivolte alle favole più attese dai piccini, con la solita strizzata d’occhio ad un pubblico adulto, appassionato da un 3D capace sempre di rinnovarsi. Andrei Konchalovsky ha deliziato le attese con il suo Lo Schiaccianoci, ispirato alla nota favola musicata dal compositore russo Pëtr Tchaikovsky, abilmente rieditata da Eduard Artemiev con le canzoni inedite di Tim Rice, in una coproduzione anglo-ungherese che si concede il privilegio di poter attingere da quell’enfasi disneyana che tanto ha insegnato, nei felici richiami dei sempreverdi classici del calibro di Pomi d’ottone e manici di scopa e il celeberrimo Mary Poppins di Robert Stevenson. La storia rinomata del piccolo principe esiliato dal suo mondo reale e imprigionato dal consueto sortilegio di rito, si avvale della felice recitazione dei giovani protagonisti; la ritrovata Elle Fanning nel ruolo della piccola Mary, affiancata da un entusiasmante Nathan Lane nei panni dello “Zio” Albert, contro il tirannico mondo del Re Topo John Turturro, nel ghigno ossigenato più glamour che il cinema possa desiderare. Non da meno poteva essere il vero protagonista dell’araldo di casa DreamWorks, nella saga dedicata all’orco Shrek, Il Gatto con gli Stivali, nell’omonimo lungometraggio sempre doppiato da Antonio Banderas, con al fianco una deliziosa Kitty Zampe di Velluto, nella sensuale voce di Salma Hayek, a contendersi i favori di una storia, nata originariamente da quella tradizione popolare europea trascritta da Giovanni Francesco Straparola nelle sue Piacevoli Notti (la raccolta di racconti) e in seguito adottata da quel romanticismo tedesco che ha ispirato i Fratelli Grimm e lo stesso Charles Perrault. Un vero full d’Assi, completato con l’attualità riletta da un amaro George Clooney, nel suo Le Idi di Marzo, al fianco di un angosciato Ryan Gosling reduce da Drive, e il rocambolesco sequel di Sherlock Holmes, nei disimpegni atipici di un rinverdito Robert Downey Jr. Non poteva mancare il classico cinepanettone di De Sica, nel ritorno alle origini con Vacanze di Natale-a Cortina, affiancato dal goliardico Pieraccioni nel suo Finalmente la Felicità. Buon CineNatale a tutti!
Paolo Vannucci

SHAKESPEARE o non SHAKESPEARE?

2011-11-15T06:10:00.001-08:00

Il regista Roland Emmerich firma la più irriverente biografia del drammaturgo poeta, padre della letteratura inglese... ed è scandalo?

Una originale e visionaria rilettura del mistero che nasconde la vita di William Shakespeare, rivalutando il celebrato “classico” di John Madden.

La ripartitura è iniziata circa dieci anni fa, con l’audacia inventiva di un regista che ha voluto interpretare le opere del più importante autore inglese, conosciuto come “Will” Shakespeare, focalizzando l’apice dell’inestimabile produzione letteraria nel dramma d’amore più rivelatore, titolandolo “Shakespeare in Love”, critica e pubblico entusiasti, attori (in)compresi, 3 Globi d’Oro e sette statuette, a suggellare il lascito di John Madden, oggi raccolto da un regista reduce da una “corposa” produzione cinematografica che sembra non temere pareri discordi dalla propria fervida abilità di “narratore”, passando da Independence Day a L’Alba del Giorno Dopo, per “finire” nel preistorico passato dell’umanità nel rocambolesco 10.000 AC, epilogo meno riuscito del più celebre Godzilla, diretto nel ’98 (anno di buon auspicio, nel “contemporaneo” pluripremiato di Madden), dietro la scia del pionieristico Jurassic Park di Spielberg e propiziatorio per il Kong di Jackson. Oggi, Emmerich vuole sfidare la razionale convenzionalità di una icona classica della storia letteraria, con i ritmi attuali di un cinema che si addentra sempre di più nel pragmatico rigore voluto dalla tradizione, e i risultati non sembrano mai deludere le aspettative (vedi il recente restyling firmato Oliver Parker, nel classico di Oscar Wilde, Dorian Gray). Un viaggio nella fantasia del regista, esplorando un rinascimento inglese rispolverato per l’occasione, spogliandolo dei belletti tipici di una cura estetica che sapeva nascondere le macabre imperfezioni di una nobiltà sopravvalutata da ogni epoca, regalando un illeggittimo erede alla Regina Elisabetta, un talentuoso Edward de Vere (l’attore Rhys Ifans), prodigioso autore diffidato dai burocrati di corte (37 sono le opere ufficiali attribuite alla reale produzione firmata da Shakespeare) e dai natali “segretamente” custoditi dal padre William Cecil, tanto da diventare passione incestuosa tra lo stesso Edward e gli entusiasmi che la madre ripone nei consensi per le opere del figlio. Un conflitto Edipico abilmente ricreato dal regista, sorretto da una fotografia firmata Anna Foerster e dagli ambienti ricostruiti dai rituali effetti speciali curati da Wolfgang Higler e Rolf Hanke. Un’eccentricità che sicuramente sarà reclamata dai sostenitori di una discendenza esclusivamente italiana del dibattuto poeta, secondo quanto fortemente sostenuto dalla stessa cattedra inglese, in un articolo pubblicato nel “Times” l’8 Aprile 2000, attribuendo, allo scrittore, i natali nella città di Messina, sotto il nome di Michelangelo Florio Crollalanza (il cognome materno), fuggito dal rito della Santa Inquisizione, per il credo Calvinista dei genitori, trovando fortuna in terra inglese, iniziando la sua vita letteraria nell’ufficializzata Stratford-Upon-Avon, trasformando il nome materno Guglielma nell’equivalente maschile che tutto il mondo conosce. Una disputa letteraria che nasce sotto ogni buon auspicio, visto quanto sostiene lo stesso Roland Emmerich, più che mai convinto che il dovere del cinema, oggi, sia di elaborare storie che possano arricchire lo spettatore per rinvigorire il cinema stesso, visto che è la storia ad insegnarci quale strada continuare a percorrere per tramandare il valore della conoscenza.

Paolo Vannucci

SPIELBERG RIFA' TINTIN

2011-10-03T05:31:00.000-07:00

Il regista torna a dirigere l’ennesima epopea cinematografica, riportando in “Motion Capture” il personaggio creato da Hergè

Terza riedizione in grande stile per il ritorno delle avventure del giovane TINTIN e Milou.

Steven Spielberg dietro la macchina da presa. Un’attesa allentata da anticipazioni che enunciavano il nome di quel personaggio a fumetti noto come TINTIN. Un lungometraggio d’animazione rinverdito da una “Motion Capture” in vena di prodezze tecnologiche, visto il risultato tanto atteso nelle prime sequenze elargite dal Teaser che rimanda l’appuntamento nelle sale il prossimo 28 Ottobre, posticipando l’uscita Natalizia prevista in origine (solo per il mercato statunitense). Un anticipo per confermare un successo da Blockbuster, alla View Conference sull’Arte Digitale il 21/23 Ottobre a Torino, e si parte. Colpa della crisi economica mondiale? Di certo nessuno può dubitare dell’integrità morale del ragazzotto dai capelli rossi nato dalla fantasia del disegnatore belga Georges Remi, in arte Hergè, apparso nel lontano 1929 nel settimanale Le Petit Vingtième, testimone di cultura a fumetti di un secolo di storia mondiale, tenendo conto che la casa editrice Moulisart (fucina di ardimentosi talenti nella coppia Goscinny-Uderzo, creatori di Asterix e Lucky Luke) ha continuato la pubblicazione realizzata dall’autore sino al 1986, alternando vicende che hanno avuto come soggetto i grandi avvenimenti storico-culturali che possono aver raccontato, con sobrietà data dagli accadimenti stessi, lo spirito e la moralità della società, sino ai giorni nostri. Le avventure di TINTIN e il segreto dell’Unicorno, questo è il titolo dell’opera inedita di Spielberg, definito dall’autore stesso, prima che venisse a mancare nell’83, “l’unico Genio che possa far rivivere il mio personaggio”, e il regista ha devoluto un film all’altezza di ogni aspettativa, coadiuvato da Wyne Stables, artefice degli effetti visivi della Weta Digital, sotto la stessa produzione del regista e l’accoppiata Peter Jackson e Kethleen Kennedy, il primo già collaudato padrone della Trilogia de Il Signore degli Anelli e del remake di King Kong, autentico pioniere di quella Motion Capture che ha visto, per la prima volta, l’attore Andy Serkis cimentarsi in entrambi i ruoli di Gollum e Kong (non di meno importanza il ruolo comprimario di Caesar ne L’Alba del Pianeta delle Scimmie). Questa volta è il turno del Capitano Haddock, il Lupo di Mare che accoglie un inconsapevole TinTin (Jamie Bill) a bordo di quella nave con la quale solcherà le fervide porte della fantasia. Oltre al fedele Milou, il piccolo Terrier bianco, ci sono Daniel Craig nelle “transgeniche” fattezze di Rackham il Rosso (in contemporanea con Cow Boy & Aliens, insieme a Harrison Ford), Simon Pegg e Nick Frost nei ruoli dell’ispettore Dupond e Dupond. Una sceneggiatura che trae spunto da tre racconti della serie (in italia pubblicata da due differenti Editori, la Comic ART e la Lizard), rispettivamente Il granchio d'oro, Il segreto del Liocorno e Il tesoro di Rakham il Rosso. Sicuramente il film di Spielberg non avrà nulla da temere rispetto ai precedenti in pellicola girati cronologicamente da Jean-Jacques Vierne nel 1961 intitolato Tintin et le mystère de la toison d'or, e Philippe Condroye per il secondo, Tintin et les oranges bleues, del 1964, entrambi interpretati da Jean Pierre Talbot. Abbandoniamoci, dunque, a questo sogno che solo Spielberg poteva firmare... con tanto di ciuffo in testa rosso e lentiggini... come lo stesso personaggio dell’intimenticabile Hergè abbia potuto desiderare.

Paolo Arfelli

SPIELBERG Super 8!

2011-09-02T03:08:00.000-07:00

Il “Ritorno al Passato” del regista in veste di produttore, in una parabola “vintage anni ‘70”, in coppia col regista J.J. Abrams

Esordienti geniali si raccontano, dietro l’obiettivo amatoriale che ha aperto la nuova stagione cinematografica.

Un gruppo di ragazzini, adolescenti in fase creativa, che elaborano un lutto cimentandosi dietro una cinepresa amatoriale in Super 8 (appunto). Se non fosse per il fatto che il giovane regista in erba Joe (l’attore Joel Courtney) ricalchi gli esordi precoci di un ragazzino di sette anni di nome Steven Spielberg, dietro il dissenso di una madre che gli proibiva di vedere film alla Tv, questo nuovo prodigio diretto da J.J. “Star Trek” Abrams non si sarebbe mai potuto realizzare, lasciando un colossale vuoto temporale nella cinematografia mondiale. Misteriose sparizioni, campi magnetici che si materializzano in un vortice creato dai voleri di un alieno che riassume tutta la filmografia dello stesso regista-produttore, in quel filmino autoprodotto a 11 anni, The Last Train Wrek (storia di un incidente ferroviario con trenini giocattolo), per proseguire sino ai 18 con il primo lungometraggio di ben 140 minuti, un piccolo Kolossal fantascientifico sugli UFO, scritto dalla sorella Nancy, Firelight, che ha richiesto l’affitto di una sala cinematografica per essere appositamente proiettato, sotto i voleri dello stesso padre. Un film che ne racconta innumerevoli altri, in un domino di rimandi al passato che, per gli adulti di oggi, sembra ancora recente, ambientato alla fine degli anni ’70, quando ancora la società non comunicava in wireless e la Televisione sapeva ancora di Bianco e Nero. Il regista Abrams, reduce dal successo di Star Trek, è la ciliegina sulla torta di un film realizzato per lo spettacolo visivo che narra in tutta la sua storia, sceneggiata a quattro mani con lo stesso Spielberg, devolvendo un cast degno del migliore Rob Reiner nel suo Stand by Me, completamente immerso in quella suspance dispensata ne La guerra dei Mondi e nella claustrofobica fantascienza in stile Deep Space Nine, “causata” dal tocco di entrambi gli autori. Azione, Dramma e Amarcord, tutto condito con la maestria di chi sa elargire un cinema all’altezza dei nostri tempi, non solo per la bravura dei giovani interpreti (deliziosa Elle Fanning nel ruolo di Alice e la collaudata esperienza di Kyle Chandler nel ruolo del vice-sceriffo Lamb), ma per la stessa magia devoluta in quelle cineprese che dal comune filmino amatoriale può celarsi l’ardimentoso talento di neonati registi in erba, in ardimentose voglie di successo... tutto rigorosamente girato in Super 8 mm, ovviamente!

Paolo Arfelli

DiCinema: la nuova Hollywood

2011-08-29T06:06:00.001-07:00

Un viaggio nello star system mondiale, per conoscere gli attori e i registi che hanno rinnovato l’ultima generazione di miti in celluloide

La travolgente sensualità mediterranea scoperta dal poliedrico Almodovar, nelle doti di stimabile artista nel talento di Antonio Banderas.

Il vouierismo maschile ha sempre imposto, come “segno di riconoscimento”, quei valori dati da una sobrietà di stile e genere cinematografico applicabili a chi, nel nome di quella maschilità di provato “sciupafemmine”, ne ha sempre fatto buon uso e ricavato non meno di taciti consensi nel vasto pubblico femminile. Rispolverando una generazione hollywoodiana che attinge in quell’arco di tempo che annovera nomi del calibro di Tyrone Power e Clarck Gable, oggi possiamo riflettere una vasta pletora di nomi che hanno rilanciato e mantenuto (nel bene e nel male) il clichè voluto dal virilismo d’elite. Antonio Banderas, supportato dai natali DOC, è indubbiamente un araldo di tutto rispetto nella nuova casta di “machi” d’esportazione che hanno saputo imporre il proprio talento uscendo dalla “ristretta” cerchia nazionalpopolare. Battezzato dal regista pop Pedro Almodòvar, autentico pigmalione di numerosi nuovi talenti femminili (da Carmen Maura a Maria Barranco), lo stesso esordio ribadisce un sodalizio di tutto rispetto con il regista ispanico, passando quindi da Labirinto di Passioni a Matador (precursore del Basic instinct di Paul Verhoeven), intercalati da pellicole uscite nel circuito nazionale spagnolo che hanno preparato il rilancio di un vero e proprio fenomeno cult postmoderno nel Donne sull’orlo di una crisi di nervi. Per rivalutare il lancio dell’attore nel panorama hollywoodiano dobbiamo passare dal fim documentario A letto con Madonna per arrivare a I Re del Mambo (The Mambo Kings) diretto da Arne Glimcher, in coppia con Armand Assante, con il pregio di autentico debutto nelle doti artistiche di vero musicista, riproposte nel più recente Desperado di Robert Rodriguez (di nota l’incursione in veste d’attore di Quentin Tarantino, non ultima con lo stesso regista). Da qui, l’ascesa di Banderas come vero astro da protagonista, passando da La Casa degli Spiriti (coproduzione tedesca/danese/portoghese) diretto da Bille August e tratto dall’omonimo romanzo di Isabel Allende (Jeremy Irons, Meryl Streep e Winona Ryder tra i protagonisti) per approdare al successo firmato Jonathan Demme, Philadelphia, coprotagonista assieme al premio Oscar Tom Hanks, successo abilmente prefabbricato sul fenomeno dell’AIDS, rivestito da una sofisticata commercializzazione stereotipata sul tema dell’omosessualità (ciliegina sulla torta la hit di Bruce Springsteen, secondo Oscar del film come migliore canzone). Le successive prove diventano successi riconfermando D’Amore e ombra (regia di Betty Kaplan sul romanzo di Isabel Allende) e Intervista col vampiro di Neil Jordan (Crousie e Pitt protagonisti di una rivisitazione barocca del culto del Nosferatu) la consacrazione di un affidabile interprete a cui rivolgere attenzioni sempre maggiori. Incursioni nella felice commedia hollywoodiana riportano Banderas ai fasti degli esordi, “sfarzosamente” rivestiti dal regista Fernando Trueba, affidandosi ad un cast “all in USA” , nel suo Two much – Uno di troppo, tra cui spiccano Melanie Griffith (set galeotto tra i due, dalla cui unione nasce la figlia Stella del Carmen), Daryl Hannah, Joan Cusack e Danny Aiello a compendio di una godibile e saporita commedia senza difetti. Il ruolo di un visionario ribelle di nome Che Guevara nell’opera rock Evita diretta da Alan Parker (ultimo musical “ufficiale”, dopo Jesus Christ superstar, Rocky horror picture show e The Wall), al fianco di Madonna nel ruolo di Evita Peron, e il ruolo della volpe ne La maschera di Zorro di Martin Campbell consacrano definitivamente Banderas come vera star di un cinema che sa riproporre rilanci e riconferme affidate al vero talento e al puro piacere di un cinema consacrato alla tradizione. Da citare, infine, le riprese della saga “made in mexico” firmata da Robert Rodriguez nel C’era una volta in Messico (Johnny Depp e Salma Heyek a saldo dei precedenti Desperado e El Mariachi) e il sequel La leggenda di Zorro, sempre al fianco di Catherine Zeta-Jones, nonchè le felici prove di doppiaggio nella saga firmata DreamWorks dell’Orco verde Shrek, nel ruolo del Gatto con gli stivali.

Di seguito, tutti i film interpretati dall’attore:

Labirinto di passioni (1982), Pestañas postizas (1982), Y del seguro... líbranos señor! (1983), Il signor Galindez (El Señor Galíndez) (1983), El caso Almería (1983), I trampoli (Los Zancos) (1984), Requiem per un contadino spagnolo (Réquiem por un campesino español) (1985), La corte del faraone (La corte de Faraón) (1985), Matador (1986), 27 horas (1986), The puzzle (1986), Deliri d'amore (Delirios de amor) (1986), Così come erano stati - Trio (Así como habían sido) (1986), La legge del desiderio (La ley del deseo) (1987), Il piacere di uccidere (El placer de matar) (1987), Donne sull'orlo di una crisi di nervi 1988, La mujer de tu vida: la mujer feliz (film tv) 1988, Intrighi e piaceri a Baton Rouge 1988, Andare in Africa in cerca di droga (Bajarse al moro) (1988), Se ti dico che sono caduto (Si te dicen que caí)(1989), La blanca Paloma (1989), Légami! (¡Átame!) (1990), La otra historia de Rosendo Juárez (1990), Contro il vento (Contra el viento) (1990), A letto con Madonna (Madonna: Truth or Dare) (1991) - documentario, Terra Nova (1991), Una mujer bajo la lluvia (1991), Cuentos de Borges I (1991), I re del mambo (The Mambo Kings) (1992), Spara che ti passa (¡Dispara!) (1993), La casa degli spiriti (The House of the Spirits) (1993), Philadelphia (1993), Il giovane Mussolini (1993) - Film Tv, D'amore e ombra (Of Love and Shadows) (1994), Intervista col vampiro (Interview with the Vampire: The Vampire Chronicles) (1994), Promesse e compromessi (Miami Rhapsody) (1995), Desperado (1995), Four Rooms (1995), Assassins (1995), Mai con uno sconosciuto (Never Talk to Strangers) (1995), Two much - Uno di troppo (Two Much) (1996), Evita (1996), La maschera di Zorro (The Mask of Zorro) (1998), Il tredicesimo guerriero (The 13th Warrior) (1999), Incontriamoci a Las Vegas (Play It to the Bone) (1999), White river kid (The White River Kid) (2000), The Body (2000), Spy Kids (2001), Original Sin (2001), Femme fatale (2002), Frida (2002), Spy Kids 2 - L'isola dei sogni perduti (Spy Kids 2: Island of Lost Dreams) (2002), Ballistic (2002), Spy Kids - Missione 3D: Game Over (Spy Kids 3-D: Game Over) (2003), Immagini (Imagining Argentina) (2003), C'era una volta in Messico (Once Upon a Time in Mexico) (2003), Pancho Villa, la leggenda (And Starring Pancho Villa as Himself) (2003) - Film TV, The Legend of Zorro (2005), Ti va di ballare? (Take the Lead) (2006), Bordertown (2007), Homeland Security (My Mom's New Boyfriend) (2008), L'ombra del sospetto (The Other Man) 2008), The Code (Thick as Thieves) (2009), Incontrerai uno sconosciuto alto e bruno (You Will Meet a Tall Dark Stranger) (2010)

Paolo Arfelli

Natalie & Portman sulle ali del “Cigno Nero” di Darren Aronofsky

2011-08-28T11:57:00.000-07:00

A diciassette anni dall’esordio di Leon, il ritorno al thriller di una ex-bambina prodigio, sulle note del “Lago dei Cigni” di Tchaikovsky

Rivisitazione in chiave noir del celebre compositore russo, tratto dal romanzo fantasy originale di Mercedes Lackey.

Che i film basati sulla danza siano terreno fertile e felice, non è una novità per il riscontro di botteghino oramai collaudato dal cinema americano, annoverando schiere di teen-ager, incantati e sublimati dalla danza in chiave musical, vedi i recenti Step Up diretti in due episodi da Anne Fletcher e Jon M. Chu, abdicando il postmoderno Hip Hop per riappropriarsi della cultura classica a cui la danza effimera resta abulicamente ancorata, per voglia e tradizione. Denunciando un pallido tentativo di misticismo oscuro del maestro del brivido Dario Argento nel suo Opera, dove la ribalta vede sempre protagonisti conflitti edipici nel nome del prosaico romanzo scritto da Gaston Leroux, Il Fantasma dell’Opera, debutto cinematografico del ’25 di Rupert Julian e innumerevoli trasposizioni a seguire (citiamo l’omonimo del maestro Brian De Palma, Il fantasma del Palcoscenico, girato nel ’74 e con un cinico appellativo Swan nel conflitto musical-rock-psichedelico di un discografico che deturpa un musicista per avidità), oggi tocca a Darren Aronofsky riarrangiare uno dei temi più ambiti nel nome del thriller psicologico di “ampie vedute”. La storia è firmata Andres Heinz, sul romanzo originale di Mercedes Lackey uscito un decennnio fà e sceneggiato assieme a Heyman-McLaughlin, sapientemente riveduta e ricucita per l’attrice Natalie Portman, cresciuta studiando “sulle scarpette a punta” e perfetta per incarnare il clichè della fragile personalità sposata al dramma vissuto dalla protagonista Odette dell’opera originale, a sua volta tratta da una fiaba tedesca, Der geraubte Schleier (Il velo rubato), sulle note del celebre balletto musicato in quattro atti del compositore russo Peter Tchaikovsky. Un inedito triangolo vestito di contemporaneità, dissacratorio nel ruolo di Thomas Leroy, moderno Siegfried, coreografo regista dell’opera stessa che deve mettere in scena, conteso dalle due prime ballerine Nina e Lilly (Mila Kunis), nello sdoppiamento di personalità che la Portman affronta dall’odio riversato nella rivalità con la propria antagonista in amore, nella surreale trasfigurazione che la porta a debellare i propri conflitti interiori, nati dal rapporto morboso e bulimico con la stessa madre (Barbara Hershey). Fotografia di rito ad accompagnare il ritmo claustrofobico della storia, firmata Matthew Libatique sulle scenografie di Thérése DePrez, per un film drammatico che riporta la Portman ai propri meriti, vincitrice di un meritato Golden Globe come miglior attrice protagonista (in aggiunta a vari analoghi riconoscimenti, tra i quali il BAFTA 2011 e l’AUSTIN FILM CRITICS ASSOCIATION), senza tralasciare il premio Marcello Mastroianni dato a Mila Kunis alla 67° Mostra del Cinema di Venezia, di cui ne ha aperto la manifestazione, mentre attendiamo impazienti la consacrazione sulla ribalta al galà degli OSCAR.

Paolo Arfelli

“Tempo da Lupi” per il Cappuccetto Rosso Sangue di Catherine “twilight”Hardwichke

2011-08-26T06:50:00.000-07:00

Rivisitazione in grande stile della favola popolare di Charles Perrault, nelle atmosfere neo-gotiche rivalutate dalla regista iniziatrice della saga di Stephenie Meyer

Un triangolo amoroso, una nonna, un bosco tenebroso e una maledizione da autentici lupi mannari. La favola è servita.

“Che occhi grandi che hai”, e per rispondere ci pensa la stessa Hardwichke, regista ormai immersa in quel vortice atemporale fatto di eroine romantiche immolate agli amori impossibili, travestiti da tenebrosi emaciati e imberbi lupi senza pelo addolciti dall’età. Dopo il successo del primo Twilight, dove l’ostinazione di Bella viene premiata, non solo al box office, ma come nuova icona di un filone gotico-adolescenziale capace di rivestire nuove metafore in salsa post moderna, Catherine Hardwichke ha dovuto soccombere ai voleri della Warner Bros e dai “desideri” di un Leonardo DiCaprio (in veste anche di sceneggiatore) fondatore della Appian Way, forse più per riappropriarsi del ruolo mancato del 17enne Edward Cullen, per sopraggiunti limiti d’età. Ma tutto sembra risolversi con la stessa formula, riadattando la più popolare delle favole per fanciulli, scritta da Charles Perrault (Le Petit Chaperon Rouge, 1697) e ripresa dai fratelli Grimm, ricreando una inedita adolescente, Valerie (Amanda Seyfried, reduce dall’analogo ciclo vampiresco di Jennyfer’s body) combattuta dall’amore per due giovani, il rassicurante Peter (Shiloh Fernandez) e il prescelto Henry (Max Irons), uno dei quali sembra celare un temibile segreto riposto in una maledizione della Luna Rossa, che attanaglia ogni mese nel terrore gli abitanti del villaggio. Sapori da neo serial televisivi che ormai allungano il passo con un cinema che ha forse paura di deludere le aspettative, ma tutto riposto nelle “rassicuranti” pretese di un pubblico under 18, che facilmente riassorbe ruoli e valori, basta che siano serviti con cura e maniacale dovizia (trucco ed effetti speciali nelle mani di Sharon Markell, Julie McHaffie e Bill Terezakis), capace addirittura di far riciclare Billy Burke (ex padre di Isabella Swan) e un inedito Gary Oldman nelle vesti del prete cacciatore, padre Solomon, riesumato da La Lettera Scarlatta di Roland Joffè. Non mancano la nonnina (Julie Christie) e il proverbiale confronto con “chi si cela sotto il pelo del lupo cattivo”... quindi, siamo tutti pronti per sederci in sala, accomodarci in poltrona e riascoltare la “solita” favola di cappuccetto rosso!

Paolo Arfelli

Che fine ha fatto Dylan Dog?

2011-08-26T06:04:00.000-07:00

Punta di diamante del fumetto italiano, il personaggio creato da Tiziano Sclavi torna sullo schermo, reinventato dal regista Kevin Munroe

Brandon Routh in “giacca e camicia rosso-vermiglio”, per un film che vuole immortalare il personaggio cult di Sclavi, tra i meandri splatter americani.

Ampiamente anticipato con flash da incubo degni del personaggio stesso, in quell’attore reduce dalle prodezze firmate da Bryan Singer (Superman returns), subito demonizzato dagli autentici estimatori del fumetto tutto made in Italy, creato sulle fattezze del longevo attore Rupert Everett (ricordate DellaMorte DellAmore?), oggi è in sala, cercando di mantenere stima e fede (il più possibile) al pathos originale di una saga splatter che ha sempre voluto distaccarsi dall’infelice spazzatura di rito, nato dalla fantasia di Tiziano Sclavi e battezzato dal poeta Dylan Thomas, a cui ha prestato nome e incipt creativo, in quelle citazioni e rimandi alla serie cinematografica di Nightmare, volute dallo stesso Sclavi nel domiciliare il personaggio nella Londra contemporanea già dal 1986 (anno di nascita editoriale), presso Craven Road street (Was Craven l’inconsapevole artefice, sceneggiatore e regista della saga horror originale). Il pasticco sembra essere stato digerito con dovizia e dedizione, visto il primo approccio al personaggio, nel film diretto da Michele Soavi e interpretato proprio dall’attore feticcio di Sclavi, Rupert Everett. Protagonista in una citazione negli albi a fumetti, come vuole la stessa dissociazione di rito, il solitario becchino di un Cimitero milanese (Francesco DellaMorte) dedito a uccidere ogni cadavere che cerca di redimersi dal riposo eterno, oggi è stato riesumato in quell’universo parallelo, creato dal regista Kevin Munroe, acconsentito dalla Sergio Bonelli Editore, in un valzer inedito di personaggi che cercano di valorizzare al meglio il culto originale del fumetto. Lo scenario americano di New Orleans è adeguatissimo alla nuova trasposizione (“girarlo a Londra sarebbe costato quattro volte di più”, come ha declamato lo stesso regista), rimuovendo lo stesso assistente Groucho (creato sulle fattezze di Groucho Marx) con l’analogo Marcus Adams (l’attore Sam Huntinghton), zombie renitente che aiuta il detective Dylan a debellare i nuovi mostri che invadono la sceneggiatura firmata da Joshua Oppenheimer e lo stesso Thomas Dean Donnelly. Restyling anche nella compagna Elizabeth Ryan (l’attrice Anita Briem), ampio riassunto delle donne che affollano l’originale fumetto, da Morgana a Lillie Connolly, per concludersi con l’attrice Anna Never, distratta e svampita al punto di essere allontanata dagli stessi produttori. Rimangono intatti i proseliti del maggiolone, l’automobile simbolo del personaggio, ritoccando il colore bianco del fumetto con un mix di inserti neri, per presunti problemi con i diritti d’autore reclamati dalla Walt Disney. Insomma... se volevate Dylan Dog sul grande schermo, non c’è modo migliore di gustarselo, garanti la Platinum Studios, che di certo non fanno rimpiangere vampiri e licantropi degni della migliore tradizione... e buoni incubi a tutti!

Paolo Arfelli

Fumetti d'ARTE

2011-08-25T05:25:00.000-07:00

La Scuola argentina ed europea come illustre vetrina del fumetto mondiale, in Gimenez, Breccia, Mandrafina, Garcia Seijas, Milo Manara, Guido Crepax, Benito Jacovitti e Bruno Bozzetto

Retrospettiva sui maestri della scuola del fumetto internazionale, nel parallelismo con i grandi artisti del passato.

Il mestiere del “fumettaro” ha sempre destato un apparente scetticismo, dato principalmente da un valore approssimativo conferito a chi produce un prodotto di massa come l’illustrazione “usa e getta”, facilmente reperibile e paradossalmente dispensatrice di doti grafiche di inestimabile pregio, non tanto avvilite da una superficialità di stile da attribuire a chi del culto cerca di avvalorarne sia i pregi che i difetti, ma fonte, quindi, di rinnovabili qualità che si associano ai linguaggi di comunicazione che confluiscono sia nel cinema che nell’arte madre di tutte le arti; la Pittura.
L’illustrazione assume il ruolo indispensabile di “veicolo di massa”, ricercando quei legami indissolubili nei canoni teorici che determinano la grandezza dell’artista, oltre ogni criterio di giudizio.
Facendo un passo indietro, nel patrimonio artistico mondiale, è compito minuzioso ristabilire quel vincolo con la principale espressione visiva e grafica, ricercando, tra i pittori di ogni tempo, la maestria che ha garantito il rinnovarsi di tecniche e stili di disegno.
In questa retrospettiva, suddivisa in tre parti, è mio interesse ristabilire un legame concreto tra queste due realtà, riportando la scuola argentina come apice di un valore artistico di primaria importanza, analizzando i principali maestri che possono essere considerati patrimonio artistico mondiale, in Juan Gimenez, Domingo Roberto Mandrafina e Alberto Breccia.

Per leggere il Supplemento e-book in formato pdf, scarica il file al seguente indirizzo (2 MBytes):

http://www.alphabetype.it/supplemento_fumettid'arte1.pdf

P. A. Vannucci

X-MEN riparte da zero!

2011-08-23T12:43:00.000-07:00

Matthew Vaughn rispolvera l’originale fumetto Marvel, in una inedita versione del gruppo di mutanti in salsa teenager, guidati dalla rivelazione McAvoy-Xavier

Il prequel della saga diretta da Bryan Singer (in veste anche di produttore), per reinverdire uno dei fumetti storici creati da Stan Lee.

Dimenticatevi i nuovi albi della Marvel e recuperate le vecchie serie cronologiche di “quando anche le copertine erano tutte disegnate a mano”... questo sembra voler incitare il regista Matthew Vaughn, dopo aver accettato il testimone del prolifico Singer, autore dei precedenti due episodi della trilogia, proseguita da Brett Ratner e conclusasi con l’inedito dedicato al personaggio di Wolverine, girato nel 2009 e con un Hugh Jackman ormai stanco di tirare fuori gli artigli di Logan, almeno per non demolire l’autentico “progetto” creato da Stan Lee e Jack Kirby (una co-produzione neozelandese/australiana che farebbe destabilizzare qualsiasi fumettaro fedele alla tradizione di casa Marvel), per poter riscrivere, oggi, quel capitolo iniziale che riparte con le promesse di una rigenerata trilogia. Per evitare “bisticci famigliari”, tutto si recicla con la cruenta “iniziazione” di Magneto (Bill Bilner il giovane attore che precede Michael Fassbender), nella tragica separazione e uccisione dei propri genitori per opera dei gendarmi nazisti, guidati dal Dottor Schmidt (un inconsueto Kevin Bacon), perseguitato a sua volta dall’Erik adulto, scoprendo la mutazione che ha trasformato lo stesso assassino nella minaccia combattuta dallo stesso Charles Xavier (James McAvoy), alleato della CIA, nella speciale “Divisione X”. La Scuola per mutanti sembra essere al completo (assistita dall’Agenzia presieduta dall’Uomo in Nero, Oliver Platt), se aggiungiamo la biondina Raven Darkholme/Mystica (Jennifer Lawrence) e il timido e occhialuto Hank McCoy/Bestia (Nicholas Hoult), renitente nel mostrare le proprie prodezze “ginniche” sotto gli occhi entusiasti del giovane Xavier. I meriti sembrano andare tutti alla fotografia di John Mathieson, immortalando un gruppetto di giovani eroi in stile anni ‘30, ma impeccabilmente attuali, come lo stesso Bryan Singer ha magicamente risorto l’icona della DC Comics nel Superman returns di qualche anno fa. Assecondando una inedita Angel, nelle mutanti forme di una spogliarellista (l’attrice Zoe Kravitz), il tassista Armando Munoz/Darwin (Edi Gathegi), Sean Cassidy/Banshee (Caleb Landry Jones) e Alex Summers/Avok (Lucas Till), la pace sembra essere ristabilita con gli “oneri-errori” dei precedenti film pur sempre attuali, ma il merito sembra essere dovuto al carisma del giovane James McAvoy, stella emergente dello star system, battezzato da Andrew Adamson nel primo episodio de Le Cronache di Narnia – Il Leone, la Strega e l’Armadio (era l’elfo dal piffero magico) e contemporaneamente in sala con l’attuale The Conspirator di Robert Redford, anacronistica ricostruzione d’epoca dedicato all’assassinio di Abramo Lincoln, al fianco di Robin Wright-Penn e Kevin Kline. Che la Saga di X-MEN possa avere nuova vita...

Paolo Arfelli

Disney-Pixar in vacanza con CARS 2

2011-08-23T12:28:00.000-07:00

A sei anni dall’uscita del primo episodio sempre diretto da John Lasseter, ritorna l’euforica parodia di Saetta McQueen, in restyling da vero “spy-movie”

il creatore della Pixar rimette anima e cuore nel suo lungometraggio più “vintage” dedicato al mito dei “motori ruggenti”.

Di strada ne ha fatta il pacioso Lasseter, rivoluzionario promotore della computer graphic in casa Disney, quando ancora il cartone animato doveva essere tale (quella testardaggine gli è costata prima un licenziamento per poi riassumerlo come presidente), incuriosendo tutti con il primo lungometraggio (e che lungometraggio!), Toy Story, battezzando il lungo cammino della “sua” Pixar, per arrivare oggi a quel sequel ovvio e atteso dedicato al mito delle quattro ruote e al sogno americano in stile country-vintage. 3000 sofisticati computer e 17 ore di lavoro per ogni fotogramma, hanno ridato vita e colore alla spumeggiante auto da corsa più “intraprendente” della storia del cinema (sempre in debito col mitico maggiolino Herbie, creato da Robert Stevenson, da cui ha ereditato grinta e determinazione), il “vivace” Saetta McQueen, protagonista di quella rocambolesca fuga dalla mitica Route 66 (la statale più “polverosa” d’America) e dalla nostalgica cittadina di contea di Radiator Spring, alcova di auto nebulizzate da un glorioso passato finito nel dimenticatoio della vita moderna. La Piston Cup rivive nel secondo episodio che vede protagonista quello scenario incontenibile degli autodromi da millemiglia, sostituita dal Grand Prix Mondiale (omaggio al Grand Prix di Montecarlo), che dovrà decretare l’Auto più Veloce del Mondo. I personaggi ci sono tutti, dal fedele “Cricchetto” alla compagna Sally Carrera, per rivoluzionare quel vortice di colore e velocità che ha omaggiato il Getaway dell’autentico Steve McQueen, accostando nuove spalle d’autore alle riuscitissime macchiette di Luigi (la 500 più “venduta” d’America, visto i contemporanei proseliti di casa FIAT), Guido e Flo, con la new entry “Mamma Topolino”, doppiata dalla veracissima Sofia Loren, per non far dimenticare il personaggio di DOC, nel precedente cameo di Paul Newman, scomparso nel 2008. Per non far passare inosservata tanta veemenza di stile, il tocco d’autore dello stesso regista, nella propria reincarnazione in gomme e carrozzeria con il personaggio di John Lasse(tire), un furgone giallo che non fà di certo oscurare l’italianità del personaggio Francesco Bernoulli, autentica star da Formula 1 in veste tricolore (John Turturro la voce originale), per omaggiare i 150 anni dell’unità nazionale, nel vincolo tutto made in Italy del GP di Monza. Gli ingredienti sono “oliati e riforniti” a dovere, per non far passare inosservata l’ultima fatica di papà Pixar, ... augurandovi un Ka-Ciao da autentico bolide!

Paolo Arfelli

Elia Kazan "secondo" Martin Scorsese

2011-08-23T04:43:00.000-07:00

Nel 150° anniversario dell’unità nazionale, retrospettiva di un cineasta che ha celebrato il cinema drammatico, attraverso l’intenso ritratto raccontato dal regista Martin Scorsese

Appunti di un diario scritto da un regista per un regista che ha istruito il cinema hollywoodiano.

Ci voleva il “D-day” nazionale italiano per poter riavvicinare la cultura popolare nel nome dell’educazione cinematografica spogliata dalle inibizioni date da quel pilastro battezzato Actor’s Studio, fondato nel 1948 dallo stesso Kazan insieme a Lee Strasberg, e che ha fatto conoscere al mondo e a intere generazioni di fedeli seguaci, i grandi attori negli esordienti Marlon Brando, James Dean, Gregory Peck e la stessa Liz Taylor. Tutto sembra paradossalmente lo specchio di una Italia che cerca di rinvigorire le proprie radici, annaffiandole con un campanilismo culturale che vuole rafforzare quello spirito ridotto in stracci da un ordine politico che non sembra volerne venire a capo, da uno sfaldamento sociale dei valori che ci riportano a quella Italia “povera” rinata nel dopoguerra, sfaldata in quel Regno costretto a recedere nel nome di una neo-Repubblica creata da un regime fascista annientato da uno spirito partigiano che è figlio di quel risorgimento che ha “librato” animi letterari intinti in quei nomi celebri di statisti che non sembrano assomigliare in nulla all’Italia politicante di oggi. La Libia ha dimostrato di essere quel ponte di rigetti formali che ha fatto diventare il nostro paese quella prova di anti-razzismo che ciascuno di noi non vuole avere il coraggio di rinfacciare... Tutto questo è l’anima e il talento di un regista che ha saputo raccontare i travagli emotivi e sentimentali dati dallo stato sociale di un Paese che accomuna le debolezze e le fragilità di ogni uomo, passando dal realismo culturale a quello romanzato (La Valle dell’Eden rimane il classico teatrale più adorato della storia del cinema), scavando nelle paure date da quelle tematiche sociali che passano dall’immigrazione (quale tema più vicino a noi) raccontata ne Un albero cresce a Brooklyn, alla lotta di classe ne Il Mare d’Erba, per destabilizzare la stessa “informalità” politica di un uomo di sinistra, scomodo per quell’America democratica che non sapeva scindere il comunismo dei tempi con uno spionaggio che debellava “a tutti i costi” simpatie troppo di parte. A Kazan è toccato il peso di un ideale troppo progressista per quei giorni, raccontando la propria tragedia personale nel film più rappresentativo della sua carriera, in quel Fronte del Porto che ha consacrato il mito di Marlon Brando, mascherando il proprio “tradimento” con una mafia riveduta dalla sceneggiatura. Martin Scorsese lo ha così celebrato come solo lui è capace di raccontare, anacronistico e con l’occhio di un cineasta che ama “gesticolare” con la cinepresa, da vero italiano DOC, nel film A Letter to Elia, lo stesso libro scritto in coppia con Kent Jones, un diario di appunti, ricordi e devozioni a un grande “compagno” del cinema mondiale. Bologna lo ha voluto ricordare ne “Sotto le Stelle del Cinema 2011”, la più grande rassegna di cinema all’aperto, “caduta” nel mese di luglio... mentre noi continuiamo a ricordarlo, oltre ogni ricorrenza di parte, come un Grande Regista che rimarrà per sempre.

Paolo Arfelli

DiCinema: la nuova Hollywood

2009-02-26T17:01:00.000-08:00

Un viaggio nello star system mondiale, per conoscere gli attori e i registi che hanno rinnovato l’ultima generazione di miti in celluloide

Romanticismo, ironia e plumb inglese nell’attore che ha miscelato la commedia americana nel più riuscito cocktail di conformismo e humour britannico, conquistando i cuori femminili delle platee di tutto il mondo, in Hugh Grant

Il cinema americano ha avuto il merito di rinvigorire il genere rosa in commedie sapientemente tenute in equilibrio tra humour e leggerezza, distribuendo spessori e meriti in attori che sapessero incarnare il cliché del galantuomo, senza però intralciare dei percorsi professionali rivolti a ruoli e soggetti che nel dramma, si sa, possono abilmente elaborare il meglio di ogni capacità di attore. Passando, quindi, dal più prolifico Peter O’Toole, attore dai natali attinenti a quella tipica rigidità che sorride abilmente a quella sempreverde pungente canzoneria di stile, tutto si risolve con il regista padrone assoluto di un genere, in quel Billy Wilder, re assoluto della commedia americana, forte dei successi più famosi in Quando la moglie è in vacanza, Baciami stupido e il più blasonato Sabrina, per non tralasciare la commedia culto musicale in A qualcuno piace caldo, dove la stessa coppia Lammon-Curtis può sicuramente riallacciare quel contemporaneo attore di un cinema hollywoodiano in Hugh Grant (Hugh John Mungo Grant), nato a Londra nel sessanta (nove settembre), ristabilendo quell’ultimo azzardato riavvicinamento nella stessa commedia girata nel 2007 e diretta da Marc Lawrence, Scrivimi una canzone, dove le ammiccanti forme di una indimenticabile Marilyn Monroe possono venire sostituite dalla stessa rinascita di una stella ritrovata in Drew Barrymoore, nuova cenerentola della commedia americana, sapientemente provata da una vita privata salvata dalle spire oscure dello star system che alleva bambine prodigio per poi sbarazzarsene a giochi fatti; si parla del battesimo spielberghiano in E.T, lontanissimo da quella successiva metamorfosi accostabile alla stessa crescita di una “ragazza perduta”, abilmente sfruttata dai soggetti interpretati. La carriera di Hughie debutta nella compagnia a cui ha fatto parte, nella stessa università di Oxford in cui si è laureato in letteratura e che, svogliatamente, ha avviato il giovane attore alla carriera cinematografica, cominciando dallo stesso Privileged, coprodotto dalla stessa neonata “Oxford film company” (all’interno dell’ateneo) e diretto da Michael Hoffman, per passare a produzioni strettamente televisive che hanno rimandato solo di poco quel successo anticipato dalla sua prima pellicola di spicco, diretta da James Ivory, Maurice, a fianco di attori del calibro di Ben Kingsley e Denholm Elliott. Una commedia sul tema dell’omosessualità, che ha solo raffinato il culto di quella patinata casta di film cameo attinti nella sobrietà, che ha regalato la Coppa Volpi a Grant, confermata dal suo primo grande successo mondiale, quel Quattro matrimoni e un funerale, vincitore del suo Golden globe come miglior attore e promotore di quella schiera di successivi film che hanno deliziato il gusto dell’ultima commedia americana. Rispolverando una replica di culto nel regista Ivory con Quel che resta del giorno, la carriera cinematografica di Hugh procede nel monito della vèrve comica e felice, abbinandosi ad attrici come Julianne Moore, Julia Roberts e la più celebrata Renèe Zellweger, partner di successo nei due episodi diretti da Sharon Maguire e Beeban Kidron, rispettivamente Il diario di Bridget Jones e Che pasticcio, Bridget Jones!. Più commerciale rimane il leggero Nine Months - imprevisti d’amore, dove alla Moore si affianca una spalla comica di tutto rispetto come Robin Williams e una inedita coppia Joan Cusack e Jeff Goldblum, come, del resto, per About a Boy, film dedicato alle complessità nevrotiche di un quarantenne alle prese con una paternità “sofferta” da una inesauribile sindrome di Peter Pan, affiancato da un’appetibile Rachel Weisz e Nicholas Hoult nel ruolo del prodigo dodicenne. La commedia più felice rimane il più fortunato Notting Hill, diretto da Roger Michell, che lo rimanda a quella sobrietà tipicamente inglese già assaporata nel film di Mike Newell (il funerale più anticonformista della storia del cinema); una leggera favola in stile hollywoodiano nel mito dell’attrice che si innamora del ragazzo della porta accanto, mantenendo i toni dell’impegno grazie alla coppia Grant-Roberts e una abile strizzatina d’occhio al primo stile “all Montgomery Clift” rubato da I giovani leoni di Edward Dmytryk. Hugh Grant si conferma, quindi, portavoce di quella innocente ambiguità che cerca sempre di riflettere le ansie e le complicate timidezze di quello stile “bravo ragazzo” che non sempre mantiene le aspettative di un clichè che facilmente alterna divagazioni forvianti, vedi lo stesso episodio-scandalo nella reale vita privata, “pizzicato” in auto con una prostituta di colore. Oggi Grant mantiene lo stesso carisma degli esordi, legando la sua vita sentimentale a volti glamour come la prima modella Elizabeth Hurley e la stessa ereditiera Jemina Goldsmith. Del resto, come resistere a un fascino in puro English Style di un provato rubacuori travestito d’attore ?

Di seguito, tutti i film dell’attore:

(2007) Scrivimi una canzone (2006) American Dreamz (2005) Travaux - Lavori in casa
(2004) Che pasticcio, Bridget Jones (2003) Love actually (2002) Two weeks notice - Due settimane per innamorarsi (2002) About a boy (2001) Il diario di Bridget Jones (2000) Criminale da strapazzo (1999) Mickey occhi blu (1999) Notting Hill (1996) Extreme Measures - Soluzioni estreme (1995) Restoration - Il peccato e il castigo(1995) Ragione e sentimento (1995) Nine Months - Imprevisti d'Amore (1995) L'inglese che salì la collina e scese da una montagna (1995) Un'avventura terribilmente complicata (1994) The changeling (film tv) (1994) Sirene (1994) Quattro matrimoni e un funerale (1993) Night Train to Venice (1993) Quel che resta del giorno (1992) Luna di fiele (1991) Chopin amore mio(1991) The trials of Oz (film tv)(1991) Our sons (film tv) (1990) The big man (1989) Till we meet again (film tv)(1989) Champagne Charlie (film tv)(1988) L'irlandese (1988) Nocturnes (1988) Una notte a Bengali (1988) The lair of the white worm (1987) Maurice - Clive Durham

DiCinema: la nuova Hollywood

2009-02-26T13:55:00.000-08:00

Un viaggio nello star system mondiale, per conoscere gli attori e i registi che hanno rinnovato l'ultima generazione di miti in celluloide

Dramma, fascino e azione nello specchio generazionale ereditato dal grande veterano Paul Newman, tutore DOC di una matricola "all himself" nelle qualità recitative di Tom Cruise

Sguardo furbo e ammaliatore, forgiato in quella posata ingenuità adolescenziale che lo ha visto debuttare giovanissimo, appena diciannovenne, sotto le direttive di Franco Zeffirelli nel suo Amore senza fine, per poi consolidare la sua predisposizione ai ruoli ambiguamente ribelli ostentati nei cult della generazione X nei vari Taps: squilli di rivolta, I ragazzi della 56° strada del mentore Coppola di quel gruppetto di attori in crescita, tra i vari Ralph Macchio e Thomas Howell. Tutto questo si traduce nel ragazzo più celebrato nel divo Tom Cruise, oggi quaranticinquenne marchiato nella "Walk of fame" e sicuro di un recente passato cinematografico tra i più ricchi e invidiati della mecca contemporanea del cinema mondiale. Un successo baciato nel semi-debutto popolare nel Riscky Business - fuori i vecchi... i figli ballano, accanto a una giovane Rebecca De Mornay, compagna in seguito dell'attore, prima di conoscere la prima moglie Nicole Kidman, sempre nel set galeotto di Giorni di Tuono, diretto da Tony Scott, fratello di Ridley che lo ha precedentemente consacrato nel fantasy Legend, uno dei più riusciti film del genere, mai scalfito da effetti speciali moderni che non sembrano conoscere offuscamenti nonostante un ventennio di consistente evoluzione di stile (vedi un analogo Le Cronache di Narnia).

Un binomio donne-motori che lo ha avvicinato alla grande passione curata dal "mito" Paul Newman, partner e tutore nel successo firmato da Scorsese nel Colore dei soldi, seducente sequel de Lo spaccone, dispensatore delle abili prodezze di esperti giocatori di biliardo dimostrate dalla coppia di attori Newman-Cruise. Ed è proprio dal fascino espresso da entrambi che si può avvicinare un percorso di ruoli e soggetti che possono riflettere il bisogno di rinnovare attori evergreen nella continua rinascita cinematografica. In questo modo si possono accostare trame quali La gatta sul tetto che scotta di Richard Brooks, dove i temi della fragilità esistenziale e della passione si possono ritrovare in un analogo Cocktail, diretto da Roger Donaldson, abile nel riproporre una misurata commedia dove la stessa coppia Newman-Taylor riscopre nuovi desideri nella performance di Cruise-Shue.

La scalata al succeso di Tom diventa inarrestabile, in ogni pellicola interpretata, sempre al fianco di attori che possono elargire carisma e successo commerciale, vedi Top gun, sempre di Tony Scott, (felice succeso con tanto di buone dosi di facili hit da classifica tra i disimpegni interpretativi di Kelly McGillis,Val Kilmer e Tom Skerritt) e Rain man-L'uomo della pioggia di Barry Lavinson, affiancato da un Dustin Hoffman che si cimenta nelle delicate note dell'autismo e una inedita quanto insolita Valeria Golino nel ruolo della compagna di Cruise. Ma il più autentico carisma autobiografico dell'attore lo possiamo ammirare nella pellicola diretta da Oliver Stone, Nato il quattro luglio, dove la trama autobiografica di Ron Kovic lo può accostare alle origini sportive dello stesso attore, in quella "carriera" spezzata di lottatore che lo ha visto, fortunatamente, rinascere come stella cinematografica. Un film cruento che ha rivalutato lo stesso regista, già autore di un quasi analogo Platoon, forse un tantino superficiale nel riproporre i travagli interiori di una moralità precedentemente espressa nell'Apocalypse Now sempre del già citato Coppola.

Altro successo di pubblico porta la firma di Ron Howard, in quel Cuori Ribelli suggellato dalla neo-coppia Cruise-Kidman, prima di conoscere il divorzio per ritrovarla nuovamente diretta da Stanley Kubrick nel suo Eyes Wide Shut, un capolavoro sofisticato plasmato dai dogmi di una società impregnata nel binomio sesso-potere, che porta lo stesso cameo del recente compianto Sidney Pollack, già provato dalle precedenti incursioni volute da Woody Allen nelle proprie pellicole. Di analogo impatto si colloca il Minority Report di Spielberg, inquietante nella stessa evoluzione visiva del regista, più distaccato dal suo clichè, riproponendosi anche nel successivo La guerra dei mondi in uno stile meno sognatore ma sempre fedele a quel cardine indispensabile per tracciare il confine tra verità e finzione, come lo stesso Incontri ravvicinati del terzo tipo.

Per conoscere il Tom Cruise strettamente legato alla tradizione classica del cinema americano ci sono due pellicole indispensabili per poterlo identificare nel ruolo e nel genere. Partiamo da Il Socio, diretto da Sidney Pollack e tratto dal best seller di John Grisham; una impegnativa prova di attore più maturo, sostenuto da un Gene Hackman all'altezza del soggetto, nei conflitti in equilibrio tra diritto legale e compromessi "sporchi", in quella mafia inflazionata da un cinema che non vuole rinunciare ai "propri bisogni". Stessa sorte tocca a Codice d'onore diretto da Rob Reiner, affiancato dalla coppia Jack Nicholson e Demi Moore, autentico nel riportare "letteralmente" in tribunale, arma e coscienza sociale (eccellente rimane l'arringa finale impartita dal giovane avvocato Cruise al granitico Nicholson nelle parti dell'istituzione incrinata in quei principi che vengono paradossalmente ripiegati dall'inutilità stessa riposta nel dogma militare).

Più fedeli al nuovo cinema rimangono la trilogia di Mission impossible e il glamour tradizionalista di Neil Jordan ne Intervista col vampiro (Brad Pitt, Banderas e Kirsten Dust tra i co-protagonisti), esempi di un cinema capace di attingere da un pathos riveduto in quelle tinte commerciali che fanno leva più sul protagonismo degli stessi attori che alla cura più ricercata del soggetto. Stessa sorte per L'ultimo samurai di Edward Zwick e Magnolia di Paul Thomas Anderson.

Cosa dire di più... un Cruise che dispensa sorrisi soddisfatti al fianco della sua nuova compagna e consorte Katie Holmes, nelle cerimonie internazionali di ogni galà del cinema, per riconfermare un attore che meritatamente si è guadagnato un posto di classe tra le star del grande mondo patinato di Hollywood.

Di seguito, tutti i film interpretati dall'attore:

Amore senza fine (Endless Love), regia di Franco Zeffirelli (1981) Taps - Squilli di rivolta (Taps), regia di Harold Becker (1981) I ragazzi della 56ª strada (The Outsiders), regia di Francis Ford Coppola (1982) Un week-end da leone - Una gita da sballo (Losin' It), regia di Curtis Hanson (1983) Risky Business - Fuori i vecchi... i figli ballano (Risky Business), regia di Paul Brickman (1983) Il ribelle (All the Right Moves), regia di Michael Chapman (1983) Legend (Legend), regia di Ridley Scott (1985) Top Gun (Top Gun), regia di Tony Scott (1986) Il colore dei soldi (The Color of Money), regia di Martin Scorsese (1986) Cocktail (Cocktail), regia di Roger Donaldson (1988) Young Guns - Giovani pistole (Young Guns), regia di Christopher Cain (1988) - non accreditato Rain Man - L'uomo della pioggia (Rain Man), regia di Barry Levinson (1988) Nato il quattro luglio (Born on the Fourth of July), regia di Oliver Stone (1989) Giorni di tuono (Days of Thunder), regia di Tony Scott (1990) Cuori ribelli (Far and Away), regia di Ron Howard (1992) Codice d'onore (A Few Good Men), regia di Rob Reiner (1992) Il socio (The Firm), regia di Sidney Pollack (1993) Intervista col Vampiro (Interview with the Vampire: The Vampire Chronicles), regia di Neil Jordan (1994) Mission: Impossible (Mission Impossible), regia di Brian De Palma (1996) Jerry Maguire (Jerry Maguire), regia di Cameron Crowe (1996) Eyes Wide Shut (Eyes Wide Shut), regia di Stanley Kubrick (1999) Magnolia (Magnolia), regia di Paul Thomas Anderson (1999) Mission: Impossible II (Mission: Impossible II), regia di John Woo (2000) Vanilla Sky (Vanilla Sky), regia di Cameron Crowe (2001) Austin Powers in Goldmember (Austin Powers in Goldmember), regia di Jay Roach (2002) Minority Report (Minority Report), regia di Steven Spielberg (2002) L'ultimo samurai (The Last Samurai), regia di Edward Zwick (2003) Collateral (Collateral), regia di Michael Mann (2004) La guerra dei mondi (War of the Worlds), regia di Steven Spielberg (2005) Mission: Impossible III (Mission: Impossible III), regia di J.J. Abrams (2006) Leoni per agnelli (Lions for Lambs), regia di Robert Redford (2007) Tropic Thunder, regia di Ben Stiller (2008, post-produzioneOperazione Valkiria, regia di Bryan Singer (2008), post-produzioneMen (Men), regia di Todd Phillips (2008), pre-produzioneHardy Men, regia di Shawn Levy (2009), pre-produzione

Nel segno di Twilight, un Natale da vampiri!

2009-02-26T13:31:00.000-08:00

Tra cinepanettoni e divertimento in digitale, il romanticismo fantasy di Stephenie Meyer rinnova entusiasmi da "assetati" teeny-vampire

Dopo l'esordio letterario con il primo romanzo della saga della scrittrice, la conferma di un successo cinematografico che assicura una trilogia che non deluderà di certo i fan di tutto il mondo dell'amore proibito di Bella ed Edward

E' passato un mese circa dall' uscita in sala del fenomeno Twilight, il nuovo sogno cinematografico nel nome della passione tormentata, sotto le fattezze glamour e ossessivamente ricercate dalla stessa regista Catherine Hardwiche, sempre espansiva nel dispensare morale e crediti di un successo nato dalla fantasia di Stephenie Meyer, scrittrice fortunata di un culto consacrato dai suoi stessi lettori (undici milioni di copie vendute solo del primo romanzo, cinque in totale, se teniamo conto dell'ultimo preannunciato che vede i fatti narrati dal primo libro attraverso gli occhi dell'amato vampiro). Sicuramente, il terreno fertile di un tema ampiamente ritoccato in tutte le salse, non ha spaventato le rassicuranti aspettative di una produzione revisionata dalla stessa autrice, che ha più volte riconfermato la sua stessa ispirazione in quel sogno fatto, nel nome di quella passione adolescenziale che non conosce i confini del tempo, dagli eterni Giulietta e Romeo al più recente fenomeno proibito dell'amore gay di Brokeback Mountain. Gli ingredienti sembrano esserci tutti, dagli attori belli e perfettamente calati nei rispettivi ruoli, al carisma insito nella storia stessa, capace di incantare e rinnovare lettori (più lettrici) e autentiche schiere di "famelici ghost-romantic", per nulla spaventati dal fascino inquietante di un amore triste e pericoloso come quello voluto dalla Meyer. Kristen Stewart e Robert Pattinson (rispettivamente Bella Swan ed Edward Cullen) si alternano tra anteprime e copie autografate dello stesso romanzo, avidamente ricercato, ora più che mai, nelle librerie di tutto il mondo. Un primo assaggio fatto nell'anteprima italiana in ottobre, in quei quindici minuti gustati dagli avidi e "assetati" occhi delle più accanite fan, per posticipare poi l'uscita il fatidico 21 novembre, mentre era già stata decisa l'uscita il 12 dicembre, proprio sotto il periodo natalizio. Ma tutto è talmente ad alto contenuto di sentimento e adrenalina romantica che non esistono crocefissi e aglio che possano scalfire le ossessive aspettative amorose di questo eterno conflitto, in una versione moderna del mito del vampiro, reso più umano e sensuale proprio per addolcire i teneri cuori femminili in cerca del proprio principe azzurro.

Personalmente, tra tutti i video ricercati su YouTube (una quarantina), post produzione e libri letti, niente può essere meglio di 110 minuti di film della Hardwiche, cullato (è proprio il caso di dirlo) da una colonna sonora equilibrata tra dolci melodie al pianoforte e trascinanti hit da classifica, vedi il pezzo firmato dai Linkin Park. Così Twilight si appresta a divenire un culto che insinua il consolidato maghetto Potter; un culto decisamente più maturo e sofisticato che trova radici fertili nelle recenti Cronache di Narnia, nelle svolte incarnate dal principe Caspian, altrettanto all'altezza di romanzate metafore che solleticano i sogni ad occhi aperti di giovani cresciutelli, nelle trentenni che vogliono riprovare dimenticati turbamenti o in qualche maschietto stuzzicato dall'appetito vojeuristico celato nel culto del vampiro vegetariano.

Decisamente è un Natale che si presenta sotto il monito del buon cinema, mentre la Disney ci regala le gesta della simpatia a quattro zampe di Bolt, senza scalfire il successo pregustato con il tenero Wall-E, mentre De Sica e Massimo Ghini rinnovano il clichè della tradizione italiana natalizia catapultandoci nei paradossi afrodisiaci sudamericani nel goliardico Natale a Rio del buon Neri Parenti. Salvatores ritocca i propri limiti con il suo Come Dio comanda e Luca Argentero ci delizia l'animo con Solo un padre, sotto gli abili richiami anglo-francesi del Jack e Sarah di Tim Sullivan, con Richard E. Grant e Samantha Mathis nel ruolo della neo-babysitter "tuttofare".Ma nulla ci può far smettere di credere nel dolce torpore delle feste natalizie, soprattutto se a proteggerci ci sono i buoni sentimenti del vampiro di Stephenie Meyer... quindi, Felice Natale!